Tiburón amarillo del cine

Frank Zappa siempre fue un tipo raro y experimental, toda su música tiene años de estudio y siempre estuvo más cerca de lo clásico que otra cosa. "Yellow Shark" es su último disco de estudio antes de fallecer, dirigió a la orquesta de cámara Ensamble Modern de origen alemán, el disco es música clásica experimental, llevada a otro nivel, lo mismo hace Llinás con su film, toma algo que ya existe pero que perdió su vigencia dentro del cine argentino como es el género de la aventura, narra la historia con una narrativa intencional a la de la literatura del SXIX, utiliza diversas técnicas cinematográficas y se arriesga a una estética diferente.

Los discos de Frank Zappa tienen seguidores fieles y ha llenado estadios, hoy en día es considerado un músico de culto que nunca vendió demasiadas copias de sus diversos álbumes pero le iba bien, aunque hacer lo que la industria dice nunca fue un límite para Zappa, él siempre compuso y tocó lo que quiso y nunca le importó si lo escuchaba más de tres personas o tres millones, en algún punto, tal vez en el ambicioso Zappa y Llinás son similares.

Life on planet Lee

El cine de Spike Lee me hace acordar a mi casa. En mi casa se respeta y escucha jazz, de todo tipo, pero, en especial Miles Davis (mis padres tienen una gran devoción hacia el trompetista desde dvds, colección de discos hasta cuadros en la pared del living familiar), hay varios discos de Maceo Parker, Kenny Garrett, por decir algunos entre tantos otros, los que yo, hasta el día de hoy, escucho y disfruto y que siempre tienen su espacio en mi mp3.

Me acuerdo la primera vez que vi una película de Spike Lee, eran las seis de la mañana y estaban dando “Crooklyn”, mi papá se levantó para ir a trabajar, vio que estaba despierta y me fue a saludar, miró un minuto el tele y dijo: “Ahh, Crooklyn esta es de Spike Lee, mirala que te va a gustar”, dicho y hecho, quise ver más películas de este hombre del cual no sabía nada, así que le pregunté a mi mamá, que me buscó entre un desastre de VHS “Do the right thing”, y como mi padre me había dicho, me repitió: “Mirala que te va a encantar, es muy buena”. Tener dos padres cinéfilos y querer estudiar cine puede ser tanto una tortura como una bendición, en casos como los de Spike Lee se los agradezco.

 

Una de mis principales dudas es: ¿Por qué pasan las películas de Spike Lee a horarios insólitos o el “cultural horario” de las dos de la mañana?, son films muy difíciles de encontrar en ediciones DVD y VHS, más aún viviendo en un pueblo como lo es Bahía Blanca, pueblo disfrazado de ciudad o que se cree ciudad. Un día estaba haciendo zapping y eran más o menos las dos o tres de la mañana y pare en TNT porque estaba empezando una película, para mi suerte “Mo’ Better Blues” doblada terroríficamente al castellano como: “Más es mejor” sí, la película estaba doblada al español por lo que su eficacia se reducía a la mitad, pero no me importó la disfruté igual y hace poco pude conseguir la edición original en inglés. Otro día me sucedió algo parecido, eran las dos de la mañana no me podía dormir estaba haciendo zapping y en Cinemax había empezado un film donde había un autobús y, afroamericanos de Brooklyn no tardé más que un par de tomas en darme cuenta por los diálogos y las imágenes que estaba frente a otra película de Spike Lee “Get on the bus” o “La marcha de un millón de hombres” otra vez el dilema de los títulos y su doblaje.

Spike Lee muestra y conjuga mejor que nadie las imágenes y la musicalización algo lógico en “Mo’ Better Blues” ya que se trata de la vida de un músico de jazz, pero también en “Crooklyn”, “Do the Right Thing” y las musicales escenas de “School Daze” su ópera prima. Spike Lee transmite lo que conoce y lo denuncia, en el caso de “School Daze” las fraternidades, la educación privada, en “Do the right thing” el odio, la justicia por mano propia, la indignación y (si se quiere) la raza se ve reflejado durante todo la película pero de manera más intensa en la última escena de la pelea y destrucción de la pizzería. A veces siento que todo el mundo debería ver una película de Spike Lee y no la del robo del Banco alguna de sus primeras películas, sin embargo cada vez que pienso en eso recaigo en el artículo de Daney: “Resnais fue el cineasta que me sacó de la infancia (…) Al final de una entrevista (…) tuve ganas de hablarle del impacto que “Hiroshima, mon amour” había producido en mi vida, lo cual me agradeció con un aire seco y distante, como si hubiera elogiado su nuevo impermeable. Me ofendí, pero estaba equivocado: las películas que miraron nuestra infancia no se pueden compartir ni siquiera con su autor”. Ya no me molesto cuando la gente no conoce a Spike Lee agradezco de conocerlo yo, porque yo se lo que significa para mí, ver un film de Lee es como estar en casa en cualquier lado donde se lo mire.

El Abuelo Vampiro

Crítica de Cronos para Therapyofterror.com

“Cronos” es la ópera prima de Guillermo del Toro, la cual le llevó 8 años realizarla, en el medio abrió un Workshop de efectos especiales y lo cerró cuando terminó de realizar el film, también tuvo que hipotecar su casa para filmarla. Al ser esta su primera película, en ella se puede ver todo lo que caracteriza al cine de Guillermo del Toro: artefactos y maquinarias con muchos engranajes; la inocencia infantil y ligado a esto el infante como protagonista, ya que, y en las palabras del mismo director: “no hay mejor testigo que un niño”. También puede apreciarse la presencia  del “mal” en forma de abuso de poder, en el caso de “Cronos” se puede interpretar en como el hombre enfermo de cáncer con mucho dinero envía a Ángel (su sobrino que lo único que le interesa es la millonaria herencia de su tío y las cirugías plásticas) en busca del artefacto, sin importar lo que este tenga que hacer para conseguirlo. Otras características presentes, son las atmósferas oscuras que rodean a este film, y a los siguientes, y el uso de criaturas o insectos que ayudan al curso narrativo de la historia (véase también: “Mimic” o “El Laberinto del Fauno”).

El argumento está muy bien narrado y la actuación de Federico Luppi (Jesús Gris) es sobresaliente lo que la convierte en una película dinámica con algunos gags de humor negro. Es de corta duración (aproximadamente noventa minutos) y presenta un cambio a la hora de contar una historia de vampiros, ya que el contagio no se da por una mordedura en el cuello y la mezcla de sangre entre vampiro-humano, sino que es producida por un insecto que vive dentro del cronos. 

Hay que tener en cuenta que, la lucha que se produce entre el enfermo de cáncer que quiere el cronos para vivir eternamente y Jesús que necesita del enfermo para revertir sus situación de vampiro, no es más que una mera excusa para mostrar el amor que una nieta siente hacia su abuelo y viceversa, por eso, no importa como se vea físicamente el abuelo, Aurora (Tamara Shanath), no va a dejar de quererlo y ayudarlo para que pueda estar más tiempo con ella. 

 

Estamos en Tierra de Nadie pero es mía.

Crítica Alicia en el País de las Maravillas para Therapyofterror.com 

Si hay algo que Tim Burton sabe hacer es conjugar relatos, mezclar historias ya existentes, por ejemplo, a la hora de adaptar “Charlie y la Fábrica de Chocolates” el guión tuvo otro agregado “Charlie y el Elevador de Cristal”, lo mismo hizo con “Alicia en el País de las Maravillas” a la cual le sumó “Alicia a través del Espejo”, continuación del relato original.

Si bien empecé a leer la novela de Lewis Carroll, aún no la termino, no porque me parece densa o desinteresada, solo que, es una novela de suma complejidad, al igual que su film, “Alicia…” esta abarrotada de efectos especiales con respecto al País de las Maravillas, pero, en su secuencia inicial nos muestra otra cosa: un mundo aristocrático típico (avaricia, casamientos arreglados, interés, infidelidad, etc), donde Alicia es tratada como loca por imaginar y ser un poco colgada, lo que va a dar pie al relato fantástico que le sigue.

El País de las Maravillas, es un lugar donde la ética y la moral no existen, un lugar sucumbido por un régimen totalitario, el de la Reina Roja, en un papel brillantemente interpretado por Helena Bonham Carter, en donde Alicia debe matar a una criatura (Jabberwocky) para que la Reina Blanca (Anne Hathaway) vuelva al trono y la paz se restituya, que haya democracia, vuelva la ética y la moral.

La historia se mantiene por los personajes secundarios, el Sombrero Loco es increíble, un revolucionario anarquista que lo único que quiere es que la Reina Blanca vuelva al poder. Es muy interesante ver como sin la utilización de diálogos explícitos y aprovechando los grandes dotes actorales de Depp el Sombrero Loco se enamora de Alicia y viceversa es por esos primeros y primerísimos primeros planos que la actuación de Johnny Depp junto con la de Bonham Carter se destacan por sobre las otras.

Otro punto aparte es el habla y el lenguaje utilizado, cada vez que el Sombrero Loco habla las oraciones son distorsionadas y es como si fuese una especie de anagrama que solo algunos pueden entender (más específico: los que están en contra del reinado de la Reina Roja), pese a la locura que puede suponer esto, hay una enorme lógica detrás, Lewis Carroll era matemático y “Alicia en el País de las Maravillas” es una obra literaria que tiene elementos de la lógica matemática.

El film tiene su infaltable esencia Burton, tanto en la dirección artística como en la historia recreada, no falta el humor negro característico del cine burtiano y, definitivamente no es una película para niños, por suerte pude ir a la función de la noche (que es la subtitulada) y aún así había pequeños, que gritaron y lloraron las casi dos horas de la película.

Muchos se han sentido estafados por la versión de Burton, que en muy poco se parece a la original de Disney y al libro, es por eso que lo que Burton hace es una libre adaptación del relato (tal y como lo hizo en “Charlie y la Fábrica de Chocolates” dándole un perfil psicológico a Willy Wonka), toma algunos elementos y distorsiona otros, se da la libertad para cambiar y retorcer la historia y cuando eso pasa al espectador le molesta y tiene tendencia (al menos la mayoría con los que he comentado el film) a bastardear y rebajar la película “porque no se parece al libro”. El cine de Burton es cine de autor.



Con respecto al título de la crítica, es una frase de una canción de Sui Generis “Alicia en el País”, cuya interpretación original hace referencia a la Dictadura Militar que hubo en Argentina desde el ’76 al ’83, desvirtuando totalmente el significado/interpretación de la letra he decidido poner la parte “estamos en tierra de nadie pero es mía” porque cuando Alicia está en el País de las Maravillas, nadie cree en ella y todos la ven como una “impostora” siendo Alicia la “creadora” del mismo país.